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ANALYSE DES GEDICHTS „SEPTEMBER“ VON N. ZABOLOTSKY. WAHRNEHMUNG, INTERPRETATION, BEWERTUNG

Das Gedicht „September“ wurde 1957 von N. Zabolotsky geschrieben. Es bezieht sich auf Landschaftspoesie. Darin gesteht der Dichter seine Liebe zur herbstlichen Natur. Der Herbst ist eine Zeit, die viele Dichter und Künstler lieben. Wir alle erinnern uns an Levitans „Goldenen Herbst“. „Es ist eine traurige Zeit! Charme der Augen!

„Deine Abschiedsschönheit gefällt mir“, verlieren diese Zeilen, die für uns zum Lehrbuch geworden sind, bis heute nicht an Wert. Baratynsky, Puschkin, Tyutchev – sie alle haben über den Herbst geschrieben. N. Zabolotsky präsentiert uns seinen originellen Blick auf die Herbstnatur.

Das Gedicht basiert auf einer Antithese. Kompositorisch können wir darin zwei konventionelle Teile unterscheiden. Der erste Teil ist die erste Strophe, die die düstere Septemberlandschaft enthüllt:

Der Regen wirft große Erbsen herunter,

Der Wind bricht und die Entfernung ist unrein.

Die zerzauste Pappel schließt mit der silbrigen Blattunterseite ab.

Der zweite Teil besteht aus allen übrigen Strophen. Wir sehen, wie ein toter Herbsttag unter einem durch die Wolken brechenden Sonnenstrahl plötzlich zum Leben erwacht:

Aber schau: durch das Loch der Wolke,

Wie durch einen Bogen aus Steinplatten,

Der erste Strahl bricht durch und fliegt in dieses Königreich aus Nebel und Dunkelheit.

Und die ganze Natur erwacht sofort zum Leben, wird hell und des Pinsels eines Malers würdig. Im Finale vergleicht der Dichter Natur und Mensch: Wie ein aufflammendes Mädchen „leuchtete die Haselnuss Ende September“. Und dieser zerbrechliche Baum erinnert ihn an eine „junge Prinzessin mit Krone“:

Zeichnen Sie wie einen Baum eine unsichere junge Prinzessin mit einer Krone und einem unruhigen Lächeln auf einem tränenüberströmten jungen Gesicht.

Der Dichter bedient sich verschiedener künstlerischer Ausdrucksmittel: Beiname („mit der silbrigen Unterseite eines Blattes“), Vergleich („wie ein Baum, eine unsichere junge Prinzessin in einer Krone“), Personifikation („Die zerzauste Pappel schließt mit der silbrigen Unterseite“) eines Blattes“).

Werke zum Vergleich: F.I. Tyutchev „Es gibt im Urherbst“, A.S. Puschkin „Herbst“.

Skrepa: antithetische Natur herbstlicher Naturbilder; die natürliche und die menschliche Welt näher zusammenbringen (Vergleich des Herbstes mit Puschkins „schwindsüchtigem Mädchen“).

Der Name Nikolai Zabolotsky ist mit der realistischen Tradition in der Literatur verbunden, die von Dichtern der Gruppe „Association of Real Art“ entwickelt wurde. Jahrelange Arbeit widmete er Detgiz, einem Verlag, der Werke für Kinder produziert, und Zabolotsky verfügte darüber hinaus über eine pädagogische Ausbildung. Deshalb sind viele seiner Gedichte für Kinder und Jugendliche ansprechbar und perfekt verständlich, enthalten keine langweilige Didaktik und beantworten erste philosophische Fragen, die junge Leser beschäftigen.

Das Gedicht „Über die Schönheit menschlicher Gesichter“ erschien am Ende von Nikolai Zabolotskys Karriere als Schriftsteller – im Jahr 1955. Es gab eine Zeit des „Tauwetters“, Zabolotsky erlebte einen kreativen Aufschwung. Zu dieser Zeit entstanden viele Zeilen, die in aller Munde sind – „Hässliches Mädchen“, „Lass deine Seele nicht faul sein“, viele verbindet ein gemeinsames Thema.

Das Hauptthema des Gedichts

Das Hauptthema des Gedichts ist die Idee, dass der Lebensweg, die Charaktereigenschaften, Gewohnheiten und Neigungen einem Menschen buchstäblich ins Gesicht geschrieben stehen. Das Gesicht täuscht nicht und erzählt einer Person, die zu logischem Denken und Analyse fähig ist, alles und schafft so nicht nur ein äußeres, sondern auch ein inneres Porträt. Die Fähigkeit, solche Porträts zu zeichnen und das Schicksal des Gesprächspartners wie in einem Buch zu lesen, nennt man Physiognomie. Für einen aufmerksamen Physiognomiker wird also eine Person prätentiös schön erscheinen, aber innerlich leer, eine andere kann sich als bescheiden erweisen, aber die ganze Welt enthalten. Menschen sind auch wie Gebäude, denn jeder Mensch „baut“ sein Leben, und jedem gelingt es anders – entweder ein luxuriöses Schloss oder eine schäbige Hütte. Die Fenster in den Gebäuden, die wir bauen, sind unsere Augen, durch die wir unser Innenleben lesen können – unsere Gedanken, Absichten, Träume, unseren Intellekt.

Zabolotsky zeichnet diese verschiedenen Bildgebäude und greift dabei auf erweiterte Metaphern zurück:

Es ist völlig klar, dass der Autor selbst solche Entdeckungen mag – wenn in einer „kleinen Hütte“ ein wahrer Schatz positiver menschlicher Qualitäten und Talente entdeckt wird. Eine solche „Hütte“ lässt sich immer wieder öffnen und wird Sie durch ihre Vielseitigkeit begeistern. Eine solche „Hütte“ sieht unauffällig aus, aber eine erfahrene Person, die Gesichter lesen kann, kann das Glück haben, eine solche Person zu treffen.

Der Autor greift auf die Techniken der erweiterten Metapher und Antithese zurück („Portale“ werden „erbärmlichen Hütten“, arrogante „Türme“ kleinen, aber gemütlichen „Hütten“ gegenübergestellt). Größe und Erdverbundenheit, Talent und Leere, warmes Licht und kalte Dunkelheit werden gegenübergestellt.

Strukturanalyse des Gedichts

Zu den vom Autor gewählten Stilmitteln der künstlerischen Darstellung gehört auch die Anaphora (die Einheit der Zeilen „Da ist...“ und „Wo...“). Mit Hilfe von Anaphora wird die Offenlegung von Bildern nach einem einzigen Schema organisiert.

Kompositorisch enthält das Gedicht eine zunehmende Emotionalität, die in einen Triumph übergeht („Wahrlich, die Welt ist sowohl großartig als auch wunderbar!“). Die Position des Autors kommt im Finale durch die begeisterte Erkenntnis zum Ausdruck, dass es viele tolle und wundervolle Menschen auf der Welt gibt. Sie müssen sie nur finden.

Das Gedicht ist im Amphibrach-Tetrameter geschrieben und enthält 4 Vierzeiler. Der Reim ist parallel, feminin und größtenteils korrekt.

In diesem Gedicht von Zabolotsky kommt es zu einer Begegnung von Leben und Tod als Begegnung des lyrischen Helden, des Passanten, mit einem Denkmal. Das Gedicht „Passerby“ von Zabolotsky ist eine der höchsten und allgemein anerkannten Errungenschaften des Dichters; ihm wurde sowohl in der Literatur über Zabolotsky als auch in der allgemeinen Literatur zu den Problemen der Poetik bereits große Aufmerksamkeit geschenkt.

Das Werk hat eine klare lyrische Handlung – eine äußere, die sowohl als eine Art Handlung in Prosa als auch intern dargestellt werden kann, in der bewegenden Verflechtung zweier tragischer menschlicher Schicksale – eines jungen Piloten, der im Krieg starb, und eines Passant. Das persönliche Schicksal des Passanten kommt im Text zum Ausdruck und kommt durch die scheinbar zufällige schnelle Skizze, gefärbt durch die zurückhaltende Erfahrung des Autors, tief zum Ausdruck. Und in dieser Handlung wird eines der Hauptthemen des gesamten Zabolotsky offenbart – das Thema Tod und Unsterblichkeit, der Weg zur Unsterblichkeit, der auch eine Reihe spezifischerer und unterschiedlicher Themen umfasst – die Erinnerung an den Krieg, den unsichtbaren Appell an die Katastrophen des Krieges und die „tausend Nöte“ der Passanten, die Fortsetzung des menschlichen Lebens, die diese Nöte durchgemacht haben. Und alle Themen werden in einem einzigen lyrischen Ereignis vereint – einem Erlebnis – der Geschichte einer Begegnung und eines Gesprächs zwischen zwei Seelen.

Das Gespräch ist in den Verlauf der externen Handlung eingebunden, einer Geschichte darüber, wie jemand, der in keiner Weise namentlich genannt und in keiner Weise direkt charakterisiert wurde, nachts zu Fuß von irgendwo nach irgendwo ging und dabei einen Friedhof passierte . Die Beschreibungsgeschichte bewegt sich wie eine Reiseaufzeichnung unterwegs, in einem mentalen Tagebuch, in einer strengen zeitlichen Reihenfolge – in einem bestimmten Chronotop, wenn auch mit einem gewissen Bereich seiner Unsicherheit. Das Ergebnis ist eine Gedichtstraße, mit einiger Verzögerung, ein Gedicht, in dem sich alltägliche Authentizität unerwartet in ein märchenhaftes Gespräch verwandelt und dann wieder zur ursprünglichen Alltagswirklichkeit zurückkehrt. In dieser Realität gibt es einen klaren Ausgangspunkt mit einem möglichst genau definierten Chronotop. Es wird auch in Bewegung gegeben.

Die Reise beginnt mit einer Straße, die Reise des Reisenden beginnt mit einem Spaziergang entlang der Eisenbahnschwellen, auch mit einem gewissen geografischen Bezug. An irgendeinem Bahnhof, von dem der vorherige Zug „zum Bahnhof Nara“ bereits abgefahren war. Der Bahnhof Nara ist eine geografische Realität, einer der Bahnhöfe in der Nähe von Moskau. Laut E. V. Zabolotskaya ging es um die wiederholte Wanderung des Dichters vom Bahnhof Dorokhov, nicht weit vom Bahnhof Nara entfernt, zu seinem Haus in Peredelkino, über die im Gedicht erwähnte Brücke und den im Gedicht erwähnten Friedhof entlang einer Straße, die in Manche Orte ähneln einer Gasse wie in einem Gedicht.

Für die Wahrnehmung und das Einfühlungsvermögen des Lesers in das Gedicht ist jedoch nicht die geografische Genauigkeit dieser Realität entscheidend, sondern vielmehr die Genauigkeit, die imaginäre Genauigkeit der Beschreibung einer bestimmten Reise. Damit setzt die Poetik von „Passerby“ die Traditionen der Erzähl- und Skizzentexte der 30er-Jahre und der Kriegszeit fort. Die ursprüngliche Realität ist immer noch getrübt und der „Aufsatzanfang“ spielt nur die Rolle einer äußeren, wenn auch notwendigen Hülle. Das Hauptthema ist in einen Knoten mehrwertiger Themen eingewoben, eine Symphonie, darunter eine Nachtlandschaft, ein alltäglicher Vorfall, die Eindrücke eines nächtlichen Fußgängers, ein kontrastierender Übergang von einem alltäglichen Bild eines Bahnhofs zu einem Bild eines Friedhof, wo ein Fußgänger wie zum ersten Mal auf ein Denkmal für einen Piloten trifft und das Leben, das aktuelle Leben mit seinem Alltag auf den Tod und die Erinnerung an das Leben trifft. Und in dieser Begegnung entsteht ein besonderes Erlebnis, „unerwartet sofortiger, herzergreifender Frieden“, sogar „wunderbar“. Denn in ihm verstummen Ängste, Ängste werden überwunden, und irgendwie geht das Leben weiter, und Frühlingsknospen leben, und der tote Pilot selbst spricht wie lebendig mit einer lebenden Seele, und nach dem Tod lebt seine Jugend weiter.

Diese besondere Erfahrung ist nicht nur ein Gefühl der Angst oder Demütigung vor dem Tod und nicht die Verleugnung des Körperlichen im Namen einer höheren Hierarchie des Geistigen (wie Yu. Lotman glaubt), sondern die Entdeckung höherer Spiritualität im Körper – der Körper eines Passanten, der Körper eines Pilotendenkmals, der Körper von Frühlingsknospen, ein lebendiges Gespräch, lebendig und tot, endlich und unendlich, augenblicklich und ewig, Ruhe und Bewegung, der körperliche Palast des Universums. Daher gibt es auch ein Bild der Frühlingsnatur, der Frühlingswildnis, das im Kontrast zum Bild des Friedhofs steht und mit diesem verschmilzt. Ein noch tiefergehendes, verborgenes Thema der Persönlichkeit und des Schicksals des von geistiger Angst erfüllten Passanten selbst mit seinen „Tausenden von Problemen“ ist ebenfalls enthalten.

Die innere Bewegung des Gedichts, seine innere Handlung repräsentiert die verborgene Bewegung der Erfahrungen des Passanten. Seine kurze Reise, ein Straßentreffen, ein Gespräch mit einem unsichtbaren Piloten entwickelt sich zum Symbol eines großen und schwierigen menschlichen Lebens, das durch „tausende von Problemen“ geht. Und während der kurzen Fahrt vom Bahnhof Nara offenbart sich, obwohl die Probleme ihn nicht ganz verlassen, die Kraft, die sie überwindet. Das bemerkenswerte Schlussbild des Gedichts vereint die Bewegung aller seiner Themen und Unterthemen; Die Trauer und Sorgen eines Menschen scheinen von ihm selbst getrennt zu sein, sie verwandeln sich nur in „Hunde“, die ihm nachlaufen.

Das Bild des Passanten zerfällt in „drei Essenzen“, wie Lotman schreibt, aber in diesem „Zerfall“ entsteht eine neue Integrität und wird wiederbelebt, die Hauptessenz, die „lebende Seele“, wird befreit. Und es scheint, dass entgegen der Meinung von Y. Lotman die Hierarchie der drei „Stufen“, in denen sich die Seele „auf der Ebene der Bäume“ befindet, hier nicht sichtbar ist; aber es gibt eine vielfältige Einheit des Menschen mit sich selbst, mit der Natur, mit anderen Menschen, die den Gegensatz von Leben und Tod selbst, Frühling und Friedhof, Persönlichkeit vereint und überwindet

und ein Denkmal.

Eines von Zabolotskys Wundern geschieht. Ein doppeltes Wunder, das das Wunder von „Ich wurde in der Nähe von Rschew getötet...“ und andere Verwandlungen von Toten in Lebende und umgekehrt widerspiegelt, aber mit einem zusätzlichen Wunder, das nur der Poesie Zabolotskys innewohnt. Es kommt zur Auferstehung der Toten und gleichzeitig zur Trennung der lebenden Seele vom Körper, und beide leben wie getrennt und materiell weiter und verschmelzen in dieser Trennung zu einem bewegenden „Ich“, wenn auch auch getrennt vom Autor „ Ich“, sondern drücke genau ihn, seine Integrität aus.

Die Entfaltung eines poetischen Ereignisses vereint die Bewegung eines Alltagsbildes, einer Landschaft, einer Spiegelung, eines symbolischen Märchengesprächs, einen Fluss heterogener und unterschiedlich skalierter Objektdetails („treukh“, „Tasche“, „Schläfer“, „Mond“, „Scheune“ usw.) – ihre Appelle. Und in diesem Fluss entstehen natürlich von innen heraus unerwartete und sogar paradoxe Vergleiche, beginnend mit dem Vergleich von Kiefern mit einer Menschenmenge von Seelen und endend mit dem Vergleich der Sorgen eines Menschen mit Hunden, die ihm nachlaufen. Dabei handelt es sich für Zabolotsky um sehr spezifische Metaphern, in denen bestimmte Erfahrungen und Geisteszustände von einer Person getrennt und wieder materialisiert zu werden scheinen. Und all diese Bewegung heterogener, aber durch gegenseitige Echos verbundener Reflexionen von Strömen und Objekten vereint sich in einem einzigen Bild des Passanten, der einerseits unpersönlich und andererseits mit sichtbaren materiellen Zeichen ausgestattet ist ( „Triukh“, „Soldatentasche“) und mehrere Details und Hinweise vermitteln sein komplexes Innenleben, das uns verschlossen bleibt. Und dieses Unbekannte ist der verborgene Boden der Lyrik der Episode, äußerlich beschreibend, klein, alltäglich – und sagenhaft, etwas geheimnisvoll, düster. Aber dennoch und gerade deshalb erleuchtet es die Seele.

Die Bewegung der Intonation verbindet höchste Einfachheit, strenge Organisation und komprimierte Präzision klassischer Verse mit der Vielschichtigkeit, der Kühnheit der Übergänge einzelner Assoziationen und Bedeutungsverschiebungen von Wörtern in der poetischen Sprache des 20. Jahrhunderts. Abwechslungsreiche, aber einfach aufgelistete Themendetails in chronologischer Reihenfolge. Und plötzlich, plötzlich und unmerklich tauchen in diesem „Protokoll“ unerwartete Metaphern auf, die sofort weit, weit über die Grenzen des Beschriebenen hinausführen und zu unerwarteten seltsamen Begegnungen führen – aber unter Beibehaltung der gleichen äußerlich ruhigen Intonation und in der letzten Strophe – die Intonation einer Note und einer Schlussbotschaft. Dies erzeugt einen besonderen Effekt der Realität und Konkretheit der Begegnung einer Person mit der Unendlichkeit.

Dementsprechend stellt die gesamte Klangorganisation eine weitere Variante der Kombination harmonischer Vielfalt und dominanter Klangkomplexe dar und betont die Bewegung von Bedeutung und Erfahrung. Es werden drei ungleiche, aber im Bedeutungsrang gleichwertige Hauptteile des Gedichts und deren weitere Untergliederungen unterschieden. Der erste Teil, der von Y. Lotman richtig hervorgehoben wurde, ist vier Strophen lang und eher beschreibender Natur; Vergleiche erscheinen am Ende der dritten Strophe, wo von einer gewöhnlichen Alltagsreise zu einer Begegnung mit einem Friedhof übergegangen wird, und dieser Vergleich stellt bereits eine typische Personifizierung für Zabolotsky dar und bereitet das Erscheinen im zweiten Teil des Gedichts vor zentrales Motiv der Seele auf dem Friedhof. Die ersten 10 Zeilen des ersten Teils zeichnen sich insgesamt zusätzlich dadurch aus, dass sie eine sequenzielle Beschreibung der Bewegung des Passanten in annähernd gleichem Tempo darstellen. Diese 10 Zeilen zeichnen sich auch durch ihre gute Organisation aus. Die vierte Strophe des ersten Teils unterscheidet sich deutlich von den vorherigen durch das Erscheinen des zentralen Bildes des Gedichts, ist jedoch durch das Überwiegen beschreibender und spezifischer Details mit ihnen verbunden. Diese Kombination zeichnet diese Strophe als Wendepunkt im gesamten Intonationssatz besonders aus. Der zweite Teil wird in drei Strophen präsentiert, die weniger Objekte als vielmehr den Einfluss des Denkmals für den Piloten und des gesamten Friedhofs auf die „lebende menschliche Seele“ beschreiben. Und der Eindruck wird als Kommentar zum unsichtbar anwesenden „Ich“ – sowohl des Passanten als auch des Autors – formuliert. Dementsprechend entsteht eine allgemein verallgemeinernde und erhebende Metapher – „der dunkle Palast des Universums“, zusammen mit einer Vertiefung der psychologischen Merkmale eines besonderen Seelenzustands, „unerwartet augenblicklich“ und der Konzentration der Zeit darin. Die Schallwelle nimmt etwas ab; Nach der vierten Strophe wechseln sich betonte Vokale harmonischer ab, jedoch unter ständiger Beteiligung von [y].

Die Seele ist mit den Zeichen einer lebendigen Persönlichkeit ausgestattet, die mit gesenktem Blick verstummt, eines lebendigen Gesprächspartners mit einem wiederbelebten Piloten. Ihre gegenseitige Verwandlung vollzieht sich also in der vorletzten Strophe des Gedichts. Das sichtbare Denkmal (das Wort betont die Feierlichkeit des Augenblicks und die Bedeutung der Leistung des Piloten) verwandelt sich in einen lebenden unsichtbaren jungen Mann, und sein Gespräch mit einer lebenden Seele scheint sich zu materialisieren, und eine neue konkrete beschreibende Detailmetapher entsteht, die sich dreht in Personifikation - ein sprechendes Denkmal mit totem Propeller, selbst die Friedhofsnatur nimmt still an diesem Gespräch teil, und ihr Klang ist durch eine erhöhte Konzentration von [w] und [h], [j], [l], [m] gekennzeichnet, und die Beteiligung von „Nieren“ am Gespräch, deren leichtes Rascheln das Motiv der Hoffnung, des Frühlings, der Auferstehung in die „dunkle Kammer“ einleitet.

Die letzte Strophe, nur vier Zeilen, stellt einen eigenständigen Teil dar, denn sie beendet das Gespräch der Seele auf dem Friedhof und stellt einen Kontrast dazu dar; Gleichzeitig kehrt es zum ursprünglichen Bild des sich bewegenden Fußgängers und seiner „Angst“ zurück und spiegelt die erste Strophe wider, wie Yu. Das Bild von „tausend Problemen“ hebt das Bild des Reisenden hervor, der durch sie geht, aber das Bild von „Hunden“ erinnert an die anhaltende harte Alltagsrealität. Der Vergleich kann auf zwei Arten interpretiert werden – sowohl als Überwindung des Kummers und der Nöte des Reisenden als auch (laut E.V. Zabolotskaya) als Erinnerung an ihre beharrliche Beharrlichkeit. Es zeichnet sich auch durch den angegebenen End-to-End-Reim auf [e], das Überwiegen von [e] und [o] unter betonten Vokalen und in der Zusammensetzung der Konsonanten durch die maximale Konzentration [n + n '] aus, hoch Frequenzen von [l] und [j], was im Einklang mit der wechselnden Stimmung beim Friedhofsbesuch steht.

Offenbar schafft diese Mehrdeutigkeit das notwendige lyrische Bedeutungsfeld und die Offenheit für unterschiedliche Möglichkeiten. In dieser Strophe kommt die Kombination von Fortsetzung, Rückkehr und Weiterentwicklung des Hauptmotivs des Schicksals des Passanten zum Ausdruck, akzentuiert durch die Struktur und Klangkomposition, ihre Beziehung zur ersten Strophe und den gesamten Verlauf des Gedichts. Die Schlussworte zweier Zeilen des ersten Vierzeilers und der dazugehörige Reim werden wiederholt, was ihre semantische Bedeutung hervorhebt und eine Verbindung zwischen Anfang und Ende des Gedichts herstellt. Sie werden jedoch mit geänderten Fällen und in umgekehrter Reihenfolge wiederholt. Schlüsselwörter – „Straße“, „Trauer“, „Angst“ – werden durch Reime und andere Lautverbindungen verbunden, konsonant und assonant mit dem Lautsystem des gesamten Gedichts. Der Reim „bad – after“ ist mit einem anderen System von Reimen, Assonanzen und Konsonanzen verbunden, das sich durch das gesamte Gedicht zieht, der „Subdominante“ seiner musikalischen Struktur.

Andererseits vereint die letzte Strophe diese wiederholten Bedeutungen und Laute zu einem völlig neuen Komplex, sowohl semantisch als auch klanglich, der durch die unterschiedliche Reimung anderer Zeilen des Vierzeilers betont wird. Die Konstruktion nach dem Prinzip des „unvollständigen Rings“ verleiht der gesamten Struktur des Gedichts Elemente der Spiralität und Asymmetrie. Was auch durch die Mittel des Verses den Prozess der Überwindung seiner Trauer, seiner Ängste und Nöte durch Passanten und die Nüchternheit des Bewusstseins davon – und des lyrischen „Ich“ – ausdrückt und betont, dass Trauer und Ängste immer noch bestehen, obwohl sie bestehen verwandeln sich nur in Hunde, die hinter ihnen herlaufen.

Also eine andere Version der Konversations- und meditativen Intonation. Charakteristisch für die klare Organisation ist insbesondere das Fehlen der zahlreichen Wiederholungen, die wir in anderen Textfassungen beobachteten, mit ähnlichen thematischen Motiven und trauriger und nachdenklicher Intonation. Die ausdrucksstarken Elemente sind hier eher der Bewegung der gemächlichen Beschreibung und Reflexion untergeordnet, gefolgt von einem direkteren lyrischen Kommentar, der sich auf den abschließenden Vergleich konzentriert und psychologische und thematische Spezifität, die Hauptelemente der Intonation des Gedichts als Ganzes, aphoristisch vereint. Das Ausmaß der menschlichen Trauer, der Ängste, tausender Probleme und die Zurückhaltung, darüber zu sprechen, drückt die Merkmale von Zabolotskys kreativer Persönlichkeit und seinem Schicksal aus. Und die ganze Bewegung konzentriert sich auf die Bilder zweier Seelen – des Piloten, der an die enormen Sorgen und Nöte des Krieges erinnert, und des Passanten mit seinen „Tausenden von Nöten“. Die Kommunikation dieser beiden Seelen mit sowohl erlebten als auch anhaltenden Problemen offenbart eine menschliche Gemeinschaft, die in einem besonderen spirituellen Ereignis die Grenzen von Tod und Leben überschreitet. Es eröffnet sich auch eine neue Chance für die Entwicklung einer realistischen lyrischen Symbolik.

Das Gedicht als Ganzes wird zu einem erweiterten Metapher-Symbol für den Weg des Menschen und seiner Seele, die Wege des Lebens, die Wege des Todes, die Wege zur Erweiterung der menschlichen Persönlichkeit, ihre Kollektivität, die Wege, das Leben eines Menschen zu verbinden Individuum mit allem Leben auf der Erde, mit den „Seelen“ der Kiefern, den Gesprächen der Menschen, raschelnden Nieren Realistische Symbolik erwächst aus der Vollständigkeit einer genauen psychologischen und objektiven Beschreibung und assoziativen Zusammenhängen eines lyrischen Ereignisses.

Aus der Sicht der Geschichte des Schicksals lyrischer Gattungen wurde das Gedicht „Passerby“ von Zabolotsky zu einem neuen Beispiel für die Verschmelzung von narrativen Texten und den Texten einer anderen Person, so dass dieser andere, als ob er unabhängig davon wäre das lyrische „Ich“, der lyrische Held – Fußgänger, wird nur ein Pseudonym für das lyrische „Ich““ Die Trennung von sich selbst, die für Zabolotskys Texte der 30er Jahre charakteristisch ist, erreicht nun die Umwandlung eines bestimmten psychologischen Zustands, einer Erfahrung in eine bestimmte besondere Persönlichkeit. Es kommt auch zur Materialisierung eines Phänomens, das einen Menschen über sein „Ich“ erhebt und ihm ermöglicht, sich in einer einzigen lyrischen Aussage zu verdoppeln. Diese Verdoppelung zieht sich durch Zabolotskys gesamtes Werk bis zu seinem letzten Gedicht aus dem Jahr 1958, in dem er mit den Worten „Lass deine Seele nicht faul sein“ zu seiner Seele spricht wie zu einer besonderen, vielschichtigen Persönlichkeit – einer Sklavin und einer Königin zugleich. In „Der Passant“ verdoppelt sich das „Ich“ nicht nur, sondern verdreifacht sich auch, denn der Passant ist das gleiche „Ich“, aber als „Er“. Ein Bild von sich selbst in der dritten Person gibt es auch in einem anderen Gedicht von Zabolotsky aus diesen Jahren – „Der April näherte sich der Mitte ...“ (1948), aber dort bezieht sich „Ich“ auch direkt auf „Ich“.

So entsteht in „Der Passant“ und einer Reihe anderer Gedichte von Zabolotsky aus diesen Jahren ein weiterer neuer Typus lyrischer Gedichte, der trotz einer so betonten Verbindung mit den Beispielen russischer und weltweiter Lyrik nur schwer direkt zu vergleichen ist klassische Tradition. Mit einiger Konvention kann man es mit der Tradition der meditativen Elegie vergleichen, jenen Spielarten, in denen Reflexion mit Erinnerung und Elementen der Erzählung verbunden ist, wie in Puschkins „Wieder besuchte ich ...“, oder Beschreibung in der Gegenwart, wie in Puschkins „Wenn ich außerhalb der Stadt nachdenklich bin, wandere ich ...“ (übrigens auch mit dem Motiv eines Friedhofs), oder mit der Tradition handlungspsychologischer Lyrik, insbesondere mit Lermontovs Gedicht „Am Mittag Hitze, im Tal von Dagestan …“ mit dem Motiv der Doppelexistenz des Menschen in unterschiedlichen Selbstbildern. Und mit den Traditionen handlungspsychologischer Lyrik der 30er Jahre, seiner Erfahrung, Alltagskonkretheit und Symbolik, klassische Organisation und kühne Metapher zu verbinden. Aber hier sind sie noch einheitlicher und vielschichtiger, mit detaillierterer Darstellung konkreter beschreibender und gleichsam skizzenhafter Elemente. Und im Vergleich zu der anderen Hauptrichtung der Texte dieser Zeit, die wir in Tvardovskys Gedicht sahen, zeigte sich hier, wie in Zabolotskys Texten der 30er Jahre, mehr eine philosophische und symbolische Verallgemeinerung – die Probleme der Zeit und des persönlichen Schicksals werden in einer indirekteren Form ausgedrückt. Sowohl das Bild des Passanten als auch die gesamte lyrische Handlung enthalten ein Element des Mysteriums, der vielschichtigen Zurückhaltung.

Fast zeitgleich mit „Passerby“ schuf Zabolotsky eine Reihe von Gedichten mit einer direkteren Darstellung des Flusses des umgebenden Lebens – Natur, Gesellschaft. Was die Poetik von „The Passerby“ jedoch gemeinsam hatte, war die Kombination von objektiver und psychologischer Spezifität mit der Breite und Tiefe des verallgemeinernden Denkens; Präzision und Ausgewogenheit des Wortes mit seiner kühnen Assoziativität, Metapher und Symbolik; hochorganisierte Verse, manchmal sogar streng reglementiert, mit innerer Energie und Bewegungsfreiheit; seine Melodien und Gemälde sind zurückhaltend; die ständige Korrelation des „Ich“, oft scheinbar unsichtbar, mit einer objektiven Situation und einem großen Seinsfluss, oft mit einer anderen Person; Vielschichtigkeit, Vielfalt und Integrität des „Ich“ selbst.

Die großen wissenschaftlichen Entdeckungen, mit denen die Welt während seines Lebens und Schaffens gefüllt war, hatten einen außergewöhnlichen Einfluss auf Zablotskys Werk. Dabei haben seine Gedichte ihre Poesie nicht verloren. Ich denke, dass der Dichter wirklich ein neues Wort in der russischen Literatur gesagt hat. Ein Beispiel für eine Kombination aus Wissenschaft, Lyrik und Philosophie ist Zabolotskys Gedicht „Metamorphosen“ (1937). Die Realität der Unsterblichkeit ist der Schlüsselvektor dieser Arbeit. Wenn Dichter früher bei der Lösung dieses ewigen Problems von Leben und Tod von philosophischen Lehren und der christlichen Weltanschauung ausgingen, stellten wissenschaftliche Entdeckungen im Zeitalter des 20. Jahrhunderts dies auf eine andere Ebene.

Nikolai Zabolotsky begreift die Realität in der endlosen Vielfalt und Einheit der Transformationen „eines Knäuels aus komplexem Garn“, der Einheit „der Welt in all ihrer Architektur“. Zu jeder Veränderung des Weltlebens gehört der Tod, das Sterben. Das ist eine Tatsache, mit der wir uns abfinden müssen. Todesfälle passieren zu jedem Zeitpunkt im Leben.

Das Gedicht wirkt zunächst paradox und schwer verständlich. Der Titel des Werkes selbst ist symbolisch. Der antike griechische Dichter Ovid schrieb einst das Gedicht „Metamorphosen“, in dem er die magischen Transformationen in der Welt, das Fließen einer Materie in eine andere, widerspiegelte. Und obwohl dieses Gedicht in vielerlei Hinsicht mythologisch ist und voller Legenden über die Götter steckt, hat die Zeit gezeigt, dass die Griechen überraschend scharfsinnig waren. Jede Sekunde finden Transformationen und erstaunliche Veränderungen in der Natur und den Menschen statt. Die Welt hat sich verändert, die Grenzen des menschlichen Bewusstseins haben sich erweitert. Der Autor reflektierte diese neuen Ansichten in seinen „Metamorphosen“.

Schon in den ersten Zeilen spürt man die Überraschung und Bewunderung des lyrischen Helden für die endlosen Veränderungen in der Welt:

Wie sich die Welt verändert! Und wie ich mich selbst verändere!

Schon hier tritt das Problem des Menschen und der umgebenden Realität in den Vordergrund. Der lyrische Held versucht, eine sehr schwierige Frage zu lösen: Wie verändert sich das Leben in ihm, wer er ist? Daher seine paradoxen Schlussfolgerungen:

Ich werde nur mit einem Namen genannt, -

Tatsächlich nennen sie mich –

Ich bin nicht allein. Wir sind viele. Ich lebe.

Es lässt sich kaum leugnen, dass sich das Leben auch im menschlichen Körper ständig verändert und weiterentwickelt. Der Blick des lyrischen Helden richtet sich auf das Wesentliche der inneren Prozesse des Einzelnen. Es betrifft nicht nur psychologische und philosophische Aspekte, sondern auch physiologische. Vor uns liegt eine neue Vision des Menschen. Der Mensch wird nicht statisch wahrgenommen, sondern in der Einheit unendlich vielfältiger Lebensprozesse. Schon die Alten schrieben: „Man kann nicht zweimal in denselben Fluss steigen“ und „Menschen sind wie Flüsse.“

Obwohl sich N. Zabolotsky in seinen Werken nicht direkt mit dem antiken Griechenland befasste, sondern sich im Gegenteil für die moderne Naturwissenschaft interessierte, bestätigt sein Gedicht die Urteile der griechischen Weisen. Daher die Fülle an Allegorien im Gedicht. Der lyrische Held betrachtet sich selbst von der Seite – „wiegend auf einer Meereswelle“, „fliegend mit dem Wind in ein unsichtbares Land“. Der Dichter betont die Regelmäßigkeit und Konsistenz der universellen Metamorphosen eines einzigen, unsterblichen Wesens. Er drückt die Gesetze der Veränderung im Dasein mit der Formel aus: „Link zu Link und Form zu Form.“ Der Mensch von N. Zabolotsky hat viele Gesichter und ist gleichzeitig eins, seine Bestandteile sind in die Prozesse des Sterbens und der Wiedergeburt einbezogen:

Damit mein Blut keine Zeit zum Abkühlen hat,

Ich bin mehr als einmal gestorben. Oh, so viele Leichen

Ich habe mich von meinem eigenen Körper getrennt.

Das Gedicht lässt sich grob in drei semantische Teile unterteilen. Im ersten spricht der lyrische Held über sich selbst, seine inneren Zustände. Im zweiten drückt er seine Einstellung zur Natur aus. Die Lebenden und die Toten sind darin miteinander verbunden, das eine fließt in das andere. Die Natur sei hier nicht nur „eine Ansammlung wunderbarer Geschöpfe“, sondern auch eine „singende Orgel“.

Die Metaphern des Dichters sind feierlich und majestätisch. Sie betonen die Regelmäßigkeit und Harmonie aller Prozesse auf der Erde:

Link zu Link und Form zu Form. Welt

In all seiner lebendigen Architektur -

Singorgel, Pfeifenmeer, Klavier,

Weder vor Freude noch im Sturm sterben.

Die Natur ist eine „lebende Architektur“, die aus kleinsten Teilchen besteht. Jeder von ihnen hat seinen eigenen Platz. Die Natur ist eine singende Orgel – ein Musikinstrument mit vielen Stimmen, die zusammen eine harmonische Harmonie, eine einzige Harmonie, bilden. Jeder von uns hat seine eigene Stimme in dieser universellen Melodie. Um dies zu realisieren, müssen wir den Horizont unserer Sicht auf die Welt erweitern und ihre Komplexität und Vielfalt verstehen. Es gibt verschiedene Gesetze im Leben der Natur, aber das wichtigste ist vielleicht das Gesetz der Zweckmäßigkeit. Nichts auf der Welt kommt aus dem Nichts und verschwindet spurlos. Alles hat eine Ursache-Wirkungs-Beziehung. Daher diese erstaunlichen „Metamorphosen“, die N. Zabolotsky beschreibt. Ich denke, dass heute die Zeit gekommen ist, in der sich die Natur der Menschheit erneut kraftvoll zu erkennen gibt. Deshalb ist es so wichtig, seine Gesetze zu verstehen.

Der dritte semantische Teil ist eine Art Zusammenfassung des gesamten Gedichts. Hier taucht erstmals das Thema der Unsterblichkeit auf. Der Dichter behauptet, dass nur unser Aberglaube uns daran hindere, „wirkliche Unsterblichkeit“ zu sehen. Laut N. Zabolotsky liegt es nicht außerhalb von uns, sondern als unser persönliches Eigentum in dieser Welt. Die besondere Tiefe und Neuheit dieses poetischen Gedankens ergibt sich aus der Idee der eigenen Kollektivität.

„Metamorphosen“ ist in seinem Genre eng mit den Traditionen der klassischen philosophischen Lyrik von Goethe, Baratynsky, Tyutchev verbunden. Hier sehen wir eine lyrische Beschreibung des Denkprozesses selbst. Mandelstam nannte solche Überlegungen „die Poesie des Beweises“. Die literarische Tradition wird durch archaisches Buchvokabular („Auge“, „Staub“, „Getreide“) betont. Das Gedicht endet mit philosophischen Metaphern, die in Form von Aphorismen dargestellt werden: „Der Gedanke war einst eine einfache Blume“, „das Gedicht ging wie ein langsamer Stier.“ Der Hauptgedanke des letzten Teils ist, dass Unsterblichkeit ein „Wollknäuel“ ist:

Wie ein Knäuel aus komplexem Garn,

Plötzlich sehen Sie, was heißen soll

Unsterblichkeit. Oh, unser Aberglaube!

In dem analysierten Werk erreicht der Autor eine außergewöhnliche Fähigkeit des poetischen Denkens. Nur zweiunddreißig Zeilen! Mittlerweile ist dies ein ganzes philosophisches Gedicht. N. Zabolotsky drückte die fortschrittlichsten Gedanken seiner Zeit aus. Er kombinierte auf erstaunliche Weise wissenschaftliche Entdeckungen und zutiefst emotionale Erfahrungen. Es ist offensichtlich, dass N. Zabolotsky der russischen Literatur eine neue Richtung gab.

Die in den späten Texten von N. Zabolotsky hervorgehobenen künstlerischen Techniken sind nicht allzu zahlreich und vielfältig. Der Autor versucht in der Regel, übermäßige Übertreibungen zu vermeiden; vielschichtige Metaphern usw. werden nicht oft verwendet. Auf den ersten Blick wirkt das reife Werk des Dichters eher primitiv. Doch gerade die Einfachheit und Klarheit der Gedichte Zabolotskys sind seine individuellen literarischen Qualitäten. Der Dichter legt großen Wert auf die semantische Seite der Sprache. Ihn interessiert das Wort als solches und insbesondere die Bildsprache seiner Bedeutung, sein semantischer Inhalt. Eine wichtige Rolle in Zabolotskys Werk spielt ein künstlerisches Mittel wie die Antithese. Tatsächlich enthalten die Gedichte des Dichters oft die Schärfe der Konfrontationen zwischen Naturphänomenen und Phänomenen der menschlichen Existenz, philosophischen Konzepten und Weltanschauungen. N. Zabolotsky ist ein suchender und hinterfragender Schöpfer, in dessen Händen poetisches Material ständige Metamorphosen erfährt.

Beispielsweise besteht das Gedicht „Über die Schönheit menschlicher Gesichter“ aus zwei gegensätzlichen Teilen. Der erste Teil ist monumental und schwerfällig. Unter dem Deckmantel eines bewegungslosen Blocks verschleiert der Autor die Armut der menschlichen Seele. Der Mangel an spiritueller und emotionaler Bewegung führt dazu, dass die Menschen „erfroren“ sind und nicht in der Lage sind, zu denken, zu fühlen und mitzufühlen:

Andere kalte, tote Gesichter

Mit Gittern verschlossen, wie ein Kerker.

Andere sind wie Türme, in denen lange Zeit

Niemand lebt und schaut aus dem Fenster.

Im zweiten Teil hingegen symbolisiert die „kleine Hütte“, die „unprätentiös, nicht reich“ ist, den inneren Inhalt eines Menschen. Das „Fenster“ dieser Hütte sendet „Frühlingsatem“ in die Welt. So ist es auch mit einem Menschen: Wenn er innerlich erfüllt ist, dann strömen Licht und Schönheit von ihm aus. Beinamen wie „Frühlingstag“, „jubelnde Lieder“, „leuchtende Noten“ verändern die Stimmung des Gedichts, es wird fröhlich und strahlt Güte aus.

Somit ist der Gegensatz von groß (sogar riesig) und klein das künstlerische Mittel, auf dem das gesamte Gedicht basiert. Dies bedeutet jedoch nicht, dass Zabolotsky darin keine anderen Techniken verwendet. Im Gegenteil, das Gedicht „Über die Schönheit menschlicher Gesichter“ ist sehr allegorisch und allegorisch. Schließlich ist jeder „Turm“, jede „Hütte“, jede „Hütte“ ein Hinweis auf diesen oder jenen Menschen, seinen Charakter und seine innere Welt.

N. Zabolotsky verwendet treffende Vergleiche. Im Gedicht „Über die Schönheit menschlicher Gesichter“ sind sie in ausreichender Menge zu beobachten: „wie erbärmliche Hütten“, „wie üppige Portale“, „wie ein Kerker“, „wie Türme“, „wie Lieder“. Ungewöhnlich ist auch, dass das Werk nicht in Strophen unterteilt ist: Das Gedicht besteht aus einer Strophe aus vier Vierzeilern. Dies liegt wahrscheinlich daran, dass sich das gesamte Gedicht vollständig auf einen Hauptgedanken konzentriert, es auf einem Hauptgedanken basiert.

Hier lohnt es sich, an Zabolotskys „Ugly Girl“ zu erinnern, insbesondere an den anschaulichen Vergleich – „erinnert an einen Frosch“. In diesem Gedicht kann man wie in vielen anderen eine subtile Allegorie, eine tiefe psychologische Analyse erkennen: „reine Flamme“ als Bild der Seele, ein Vergleich der spirituellen Erfüllung mit einem „Gefäß, in dem Leere ist“ oder mit „ Feuer flackert in einem Gefäß“:

Ich möchte glauben, dass diese Flamme rein ist,

Was in seinen Tiefen brennt,

Er wird all seinen Schmerz allein überwinden

Und wird den schwersten Stein zum Schmelzen bringen!

Und selbst wenn ihre Gesichtszüge nicht gut sind

Und es gibt nichts, was ihre Fantasie anregen könnte, -

Säuglingsgnade der Seele

Es zeigt sich bereits in jeder ihrer Bewegungen.

Zabolotskys Charaktere und Bilder werden so tiefgründig wie möglich. Sie werden vom Dichter im Vergleich zu seinen frühen Texten klarer ausgedrückt und klarer umrissen.

Parallelität als künstlerisches Mittel ist auch charakteristisch für die späten Texte von N. Zabolotsky. Beispielsweise sehen wir im Gedicht „Das Gewitter kommt“ (1957) eine lebendige Parallelität von Naturphänomenen mit dem Gemütszustand und den Gedanken des Autors selbst.

Das Bild einer Wolke ist im Gedicht eigenartig und einzigartig:

Eine finstere Wolke bewegt sich,

Den halben Himmel in der Ferne bedecken,

Bewegend, riesig und zähflüssig,

Mit einer Laterne in einer erhobenen Hand.

In diesen Zeilen wird der Wolke eine besondere Bedeutung verliehen; wir können sagen, dass sie belebt wird. Die Wolke bewegt sich wie ein suchender oder verlorener Wanderer, wie ein beeindruckender Schiedsrichter über das Schicksal. In diesem Zusammenhang wird dieses Bild nicht nur als natürliches Phänomen, sondern als etwas mehr gelesen.

Das oben genannte Werk zeichnet sich durch einen besonderen metaphorischen Charakter aus:

Hier ist sie – eine Zeder in der Nähe unseres Balkons.

Vom Donner in zwei Teile geteilt,

Er steht und die tote Krone

Unterstützt den dunklen Himmel.

Ein solch hohes Maß an Metaphorisierung ermöglicht es zweifellos erneut, die späten Texte von N. Zabolotsky als ein besonderes und einzigartiges Phänomen hervorzuheben: die „tote Krone“, die den „dunklen Horizont“ stützt.

Abschließend zieht der Dichter eine Parallele zwischen einem in zwei Teile gespaltenen Baum und seinem eigenen Geisteszustand. Dabei handelt es sich jedoch nicht nur um Parallelität, sondern auch um eine allegorische Aussage des Autors, die die Dualität seiner Weltanschauung zum Ausdruck bringt:

Sing mir ein Lied, Baum der Schmerzen!

Ich stürze, wie du, in die Höhe,

Aber nur ein Blitz begrüßte mich

Und sie wurden im Handumdrehen mit Feuer verbrannt.

Warum ist es in zwei Teile geteilt,

Ich bin, wie du, nicht auf der Veranda gestorben,

Und in meiner Seele ist immer noch der gleiche große Hunger,

Und Liebe und Lieder bis zum Schluss!

Von besonderer Bedeutung für das Werk von N. Zabolotsky ist das philosophische Verständnis der Natur, die enge Beziehung zwischen Natur und Mensch sowie deren gegenseitige Entfremdung. In dem Gedicht „Ich suche keine Harmonie in der Natur ...“ (1947) sieht der Dichter die Natur als eine riesige „Welt der Widersprüche“, gefüllt mit „fruchtlosem Spiel“ und „nutzloser“ harter Arbeit.

Das Gedicht ist voller personifizierender Metaphern: „blinde Nacht“, „der Wind wird verstummen“, „im ängstlichen Halbschlaf der Erschöpfung“, „das dunkle Wasser wird sich beruhigen“. Hier gibt es so ein künstlerisches Mittel wie den Vergleich. Der Autor vergleicht die Natur mit einer „verrückten, aber liebevollen“ Mutter, die sich ohne ihren Sohn nicht auf dieser Welt sieht, die ohne ihn nicht vollständig ist:

Also, ich schlafe auf meinem Bett ein,

Verrückte, aber liebevolle Mutter

Verbirgt die erhabene Welt eines Kindes,

Mit meinem Sohn die Sonne sehen.

In diesem Werk kann man einen impliziten Gegensatz erkennen, den Gegensatz von Gut und Böse:

Und zu dieser Stunde traurige Natur

Herumliegen, schwer seufzend,

Und sie mag keine wilde Freiheit,

Wo das Böse untrennbar mit dem Guten verbunden ist.

Wenn du der gewalttätigen Bewegung überdrüssig bist,

Von nutzloser harter Arbeit,

In einem ängstlichen Halbschlaf der Erschöpfung

Wenn eine riesige Welt voller Widersprüche

Voller fruchtloser Spiele, -

Wie ein Prototyp menschlichen Schmerzes

Aus dem Abgrund erhebt sich Wasser vor mir.

Die Texte des Dichters zeichnen sich durch den Kontrast der dargestellten Bilder aus. Beispielsweise entsteht in dem Gedicht „Irgendwo auf einem Feld bei Magadan ...“ (1956) ein unerträgliches Gefühl von Traurigkeit und Depression durch den schrecklichen Kontrast eines gefrorenen, windigen, unwirtlichen Landes und eines riesigen, endlosen hellen Himmels. Die Sterne in diesem Gedicht symbolisieren nicht nur die Freiheit, sondern auch den Prozess der Befreiung selbst. Während alte Menschen noch nicht von der Realität, von ihren irdischen Angelegenheiten getrennt sind, schauen die Sterne nicht auf sie. Aber im Tod vereinen sie sich mit der Natur, mit der ganzen Welt und erlangen Freiheit:

Die Wachen werden sie nicht mehr einholen,

Der Lagerkonvoi wird nicht überholen,

Nur einige Sternbilder von Magadan

Sie werden funkeln und über Ihrem Kopf stehen.

Das Lagerthema, das eng mit der Thematik des menschlichen Leids verknüpft ist, spiegelt sich in diesem Gedicht wider. Die Trauer zweier „unglücklicher russischer“ alter Männer, deren Seelen „ausgebrannt“ sind, wird vor dem Hintergrund des „wunderbaren Geheimnisses des Universums“ dargestellt.

Der „Letzte Liebe“-Zyklus als „großes Werk“, das aus einzelnen Teilen besteht, von denen jeder den nächsten ergänzt und bestimmt, hat einen epischen Anfang. Hier können wir den Wunsch des Autors erkennen, den „fließenden“ Prozess der Realität zu reproduzieren. Eine konsistente Abfolge der Ereignisse in der Geschichte der „letzten Liebe“ und das Vorhandensein eines gemeinsamen Rahmens werden skizziert.

Das Gedicht „The Juniper Bush“ (1957) zeichnet sich durch eine besondere Melodie aus, die aus einem bestimmten Klangsatz besteht:

Wacholderbusch, Wacholderbusch,

Das kühlende Geplapper veränderlicher Lippen,

Leichtes Plappern, kaum Harz abgebend,

Hat mich mit einer tödlichen Nadel durchbohrt!

Diese Strophe zeichnet sich auch durch das Vorhandensein von Beinamen aus: „veränderliche Lippen“, „leichtes Geplapper“, „tödliche Nadel“. Sie erzeugen ein Gefühl einer bestimmten Dynamik: ängstlich, unsicher und gleichzeitig ungestüm und entschlossen.

Gleich zu Beginn des Gedichts erwartet der Leser eine Art Unglück, das durch einen sehr originellen Beinamen – „metallisches Knirschen“ – erleichtert wird, der einen Ton innerer Zwietracht und äußerer Vorzeichen erzeugt:

Ich habe im Traum einen Wacholderbusch gesehen,

Ich hörte in der Ferne ein metallisches Knirschen,

Ich hörte das Klingeln von Amethystbeeren,

Und im Schlaf, in der Stille, mochte ich ihn.

Das ständige Spiel zischender und harter Konsonanten mit weichen und klangvollen Konsonanten erzeugt im Gedicht ein Gefühl der Dualität. Der Leser taucht zusammen mit dem lyrischen Helden in eine seltsame Phantasmagorie ein, die zwischen Schlaf und Realität liegt. Und wie Zablotsky es in seinen Werken oft verwendet, ist die Hauptidee des Autors in der letzten Strophe enthalten. Und hier weicht die Dynamik der Kontemplation und letztlich der Vergebung und dem Loslassen:

Im goldenen Himmel vor meinem Fenster

Die Wolken ziehen eine nach der anderen vorbei,

Mein Garten, der herumgeflogen ist, ist leblos und leer ...

Möge Gott dir vergeben, Wacholderbusch!

Zabolotsky ist, wie oben erwähnt, ein Meister auf dem Gebiet der Vergleiche und Allegorien. In der letzten Strophe sehen wir einen „fliegenden Garten“, der in seinen Tiefen jegliches Leben verloren hat. Die Seele des lyrischen Helden ist ebenso wie dieser Garten leer, und der Grund für alles ist der Wacholderbusch – das zweideutig lesbare und hellste Bild dieses Gedichts.

Das Gedicht „Old Age“ (1956) schließt den Zyklus „Last Love“ ab. Dies ist eine Art Geschichte, eine Art epische Erzählung in Versen. In ihm sind die Reife und die Ruhe, zu denen der Autor gelangt ist, so deutlich zu spüren. Kontemplation und Verständnis stehen im Vergleich zu seinen frühen Texten im Vordergrund:

Einfach, ruhig, grauhaarig,

Er ist mit einem Stock, sie ist mit einem Regenschirm, -

Sie haben goldene Blätter

Sie schauen, bis es dunkel wird.

Ihre Rede ist schon lakonisch,

Jeder Blick ist ohne Worte klar,

Aber ihre Seelen sind hell und ausgeglichen

Sie reden viel.

In der vagen Dunkelheit der Existenz

Ihr Schicksal war nicht erkennbar,

Und das lebensspendende Licht des Leidens

Es brannte langsam über ihnen.

Diese Zeilen verdeutlichen vor allem den Kontrast zwischen der „unklaren Dunkelheit der Existenz“ und dem „lebensspendenden Licht“. In diesem Zusammenhang kann man auch von der sogenannten „kosmischen“ Parallelität sprechen, die bis zu einem gewissen Grad die späten Texte des Autors durchdringt. In einem kurzen Gedicht gelingt es Zabolotsky, eine allumfassende, panoramische Sicht auf die Welt mit einer gegebenen, man könnte sagen privaten Situation zu verbinden.

Wir sehen also, dass die späten Texte von N. Zabolotsky einerseits aus philosophischer Sicht ein unglaublich tiefgreifendes Phänomen sind, andererseits in ihrem künstlerischen Wesen recht einfach sind, oder genauer gesagt, hinsichtlich der Vielfalt künstlerischer Techniken und Methoden. Der Dichter verwendet zahlreiche Epitheta; die Häufigkeit der Verwendung von Gleichnissen und Gleichnissen ist etwas seltener; Es kann festgestellt werden, dass Zabolotskys Gedichte häufig Appelle und Fragen (meist rhetorischer Natur) enthalten, die die Vision des Autors der Wahrnehmung des Lesers näher bringen. Im Allgemeinen vermeidet Zabolotskys Poesie alles Komplizierte und Verwirrende; er übertreibt das Dargestellte praktisch nicht und beschäftigt sich nicht mit dem sogenannten „Wörterweben“. Die Interpunktion des Dichters ist sehr ausdrucksstark. Zabolotsky bringt den Hauptgedanken des Werkes oft ganz zum Schluss, schließt ihn in der letzten Strophe ab und fasst so das Gesagte zusammen. Es sei darauf hingewiesen, dass Zabolotskys Poetik einzigartig war und bleibt und weiterhin die Kreativität und das Denken vieler Dichter und Menschen beeinflusst, die auf die eine oder andere Weise mit dem Wort verbunden sind.